La mostra LINK presenta il lavoro di quattro artisti milanesi, che condividono esperienze e linguaggi affini, per tematiche e espressioni stilistiche. Accomunati dalla pittura di matrice figurativa – caratterizzata da richiami classici e novecenteschi, qui attualizzati e in linea con contenuti contemporanei – gli artisti offrono nelle sale di Biffi Arte una panoramica completa e allargata del loro fare arte, della loro ricerca più recente.

Dal testo di Simona Bartolena, curatrice del progetto espositivo:

[…]Ecco perché incontrare quattro artisti, peraltro tra loro molto diversi, che invece hanno voglia di mettersi in gioco, di trovarsi e di lavorare insieme – non in vista di una mostra o di un progetto particolare, ma nella quotidianità della loro esistenza professionale – è davvero qualcosa di fuori dal comune. Marina Falco, Giovanni Cerri, Fabio Sironi e Fabio Valenti (Fuelpump) hanno scelto di condividere uno studio e una parte della loro vita, di lavorare insieme, seppure nel rispetto delle singole identità. Non hanno formato un gruppo o un movimento omogeneo, né hanno alcuna intenzione di farlo. I loro stili, i loro linguaggi, i loro percorsi personali sono autonomi e tali devono restare. Lavorando sotto lo stesso tetto, hanno però continue occasioni di confronto, di dialogo e di discussione. Si parla di tutto nello studio milanese di Via Piero della Francesca 58. Si parla di arte, ma anche di politica, di società e di sport, si va a bere un caffè o ci si siede sui divanetti a discutere un po’, perdendosi nelle conversazioni, nelle speculazioni filosofiche che scappano di mano, lasciando scorrere il tempo senza farci caso. Ciascuno lavora nel suo angolo, ma il commento del vicino è a portata di mano, come conforto, come critica, come momento di ripensamento. Nessuno insegna agli altri. Non c’è un maestro. Ognuno ha sua vita professionale assai ben impostata e una personalità artistica riconoscibile. Proprio per questo l’esperienza collettiva in studio diventa un arricchimento, non una fatica.

Marina, Giovanni, Fabio e Fuelpump hanno messo in dialogo le loro opere e il confronto ha generato motivi di dibattito, svelando interessanti convergenze nelle loro ricerche: sensibilità tra loro molto distanti, talvolta opposte, in grado di generare motivi di riflessione che insistono su temi comuni.

Link, dunque, non è una mostra a tema come altre. Gli artisti non sono stati selezionati con un criterio curatoriale in virtù del loro linguaggio o per le tematiche da loro affrontate. Link è un racconto: il racconto di un gruppo di artisti che lavorano l’uno accanto all’altro, senza cercare la contaminazione ma interagendo quotidianamente. Eppure Link è tutt’altro che una mostra eterogenea. Esposti insieme, i lavori di questi quattro artisti dalle forti personalità, trovano un motivo comune, tracciano un percorso dai molteplici gradi di lettura nella società e nei sistemi a essa sottesi, nelle relazioni tra essere umano e ambiente, tra individuo e società, tra presente e passato, tra memoria e immaginazione. Protagonista assoluto è l’uomo, presente, sebbene con modalità e ruoli diversi, in tutte e quattro le ricerche. L’uomo e il suo passato, il suo presente e il suo (possibile) futuro: l’uomo e il suo quotidiano. Quattro visioni generate da altrettante personalità capaci di relazionarsi con gli altri, di interagire, di confrontarsi, di mettersi in gioco.[…]

Da qualunque parte si esamini la questione, non c’è nulla in comune fra gli asparagi e l’immortalità dell’anima . L’aforisma di Achille Campanile mi è venuto alla mente, come un’istantanea, quando mi è stato proposto questo unicum art project: quattro icone russe in dialogo con quattro opere di quattro fra i più importanti artisti del secondo ‘900. Il tutto appartenente alla collezione di Francesco Sartori.

La mia perplessità al progetto era dovuta alla difficile coabitazione di opere tanto difformi, ma quando le ho viste condividere il medesimo spazio, ho capito come un soliloquio apparentemente impossibile poteva divenire dialogo complice e seducente.

E offrire conferma del fatto che le provocazioni intelligenti sono stimolo al pensiero,

Chi segue la nostra galleria da qualche tempo riconoscerà  questa mostra tra quelle che spesso realizziamo, proponendo progetti espositivi inconsueti che offrono relazioni sottaciute, prove dello spirito, della mente o del cuore allo scopo di suggerire al visitatore  idee ed emozioni inattese.

Ma lo scopo di questa mostra preziosa e certamente inconsueta, è anche quello di dimostrare come l’applicazione di chiavi di lettura differenti possa far svoltare il contenuto semantico di una collezione. Che è comunque una sorta di “organismo vivo”, in grado di mutare, proprio come la nostra lingua, bella anche perché capricciosa e sempre in trasformazione.

Una raccolta bella e appassionata, quella di Francesco Sartori, frutto della sua personale adesione al pensiero di Kandinsky così come viene espresso ne Lo spirituale nell’arte:

Tutto, specialmente all’inizio, è questione di sentimenti. Solo il sentimento, specialmente all’inizio del cammino, crea la vera arte. […] L’arte agisce sul sentimento e quindi può agire solo col sentimento”.

“Non c’è nessun “dovere” in arte. L’arte è eternamente libera. Fugge il “dovere” come il giorno la notte.

Deserti e Derive è un navigare a vista fra i relitti dell’Occidente, circumnavigati dallo sguardo di cinque compagni di viaggio: Andrea Brera, Alessandra Chiappini, Isabella Dovera, Alessandro Savelli, Alessandro Spadari, e raccolti dalle parole di Giovanni Cella, che di questa mostra è curatore.

La mostra offre testimonianza della crisi alla quale tutti stiamo assistendo e che è figlia di un declino anche e soprattutto umano. Alla crisi i cinque artisti offrono la voce della propria arte, disegnando una mappa di linguaggi diversi eppure tutti laceranti ed eloquenti. Alessandra Chiappini ricorda la bellezza dell’arte antica e la struggente nostalgia delle sue (non mantenute) promesse di civiltà: e lo fa appoggiando su forme antiche velature delicate di colore, come soffi, quasi a temere il collasso definitivo delle vestigia di quei fasti lontani. Incisi, forti, violenti sono i volti di Isabella Dovera: anatomie nodose, già di spettro, un linguaggio di sguardi ciechi che ricorda un certo espressionismo fra le due guerre mondiali, e dunque è a sua volta inutile lezione di storia. Con Alessandro Savelli si torna al colore, ma sono cromie che non salvano, stesure orizzontali, lunghe come lande, un pigmento a tratti ostile, sotto la cui pelle brulica un mondo dalla sostanza misteriosa. Con i suoi relitti di navi Alessandro Spadari porta sulla tela il faticoso galleggiare del nostro tempo, fatto di simboli corrosi e di scafi arrugginiti, la stessa ruggine, la stessa corrosione di Scampia, falansterio del sacrificio di molte anime, fotografato con misericordioso rispetto da Andrea Brera.

Si inaugura mercoledì 3 settembre alle ore 18, alla Galleria Biffi Arte di Piacenza, la mostra Mario Sironi. Una collezione speciale. La raccolta di Cristina Sironi e Rudolph Klien, a cura di Elena Pontiggia.

Sono esposte, per la prima volta in modo organico, le opere provenienti da una raccolta davvero particolare: quella della sorella maggiore dell’artista, Cristina (Sassari 1883 – Monza 1965), e di suo marito, il chimico inglese Rudolph Klien (Dewsbury, York, 1873 – Milano 1932), che di Sironi fu tra i primi mecenati. La collezione, che comprende circa sessanta opere tra dipinti, disegni, acquerelli, incisioni, documenta quasi tutte le stagioni sironiane, ma è di straordinario interesse soprattutto per alcuni inediti giovanili, che mostrano anche alcune sue direzioni di ricerca finora sconosciute.

La mostra muove da due vere “chicche”: un Paesaggio del 1899, dipinto da Sironi quando aveva solo quattordici anni e mai esposto prima, e l’altrettanto inedito Ars et Amor, 1901, un ex libris di sapore simbolista che l’artista sedicenne eseguì per la madre Giulia. Seguono il massimo capolavoro del periodo divisionista di Sironi, Madre che cuce, 1905-6, e il famoso Autoritratto del 1910.

E, ancora, sono da segnalare un gruppo di lavori futuristi, caratterizzati da quella potente solidità architettonica che sarà una costante di tutta la pittura sironiana, e talvolta anche da un colore acceso, che invece rimarrà ineguagliato nella sua ricerca; una serie di ritratti, dipinti e illustrazioni del tempo di guerra, tra cui la suggestiva Scena di guerra e le tavole per la rivista di trincea “Il Montello”, 1918; i ritratti a puntasecca di Margherita Sarfatti, Ada Negri, Bontempelli, realizzati da Sironi nel 1916, quando era ospite della Sarfatti nella sua casa di Cavallasca sulle colline comasche; alcune vignette per “Il Popolo d’Italia”, il quotidiano di Mussolini.

Il percorso espositivo si chiude infine con alcune opere degli anni venti, tra cui un inedito Paesaggio urbano del 1920; lo splendido disegno Nudo di donna con bicchiere  del 1922-23 (amatissimo dalla Sarfatti, che lo scelse per documentare Sironi nel saggio Segni colori e luci del 1925); numerosi ritratti di famiglia, come quelli di Cristina, di Klien e della loro figlioletta Gladys (1922); l’imponente Lago del 1926, e vari disegni e tempere che testimoniano la ricerca di Sironi nell’ambito della pittura murale degli anni trenta.

Accompagna la mostra, che rimarrà aperta fino al 5 ottobre, un catalogo con un testo introduttivo di Elena Pontiggia e le schede analitiche di tutte le opere esposte.

Mario Sironi nasce a Sassari nel 1885, da Enrico, ingegnere milanese, e Giulia Villa, fiorentina. Nel 1886 si trasferisce con la famiglia a Roma. Nel 1898, a tredici anni, rimane orfano di padre. Nel 1902 si iscrive alla facoltà di ingegneria, che abbandona l’anno dopo per una crisi depressiva. Frequenta invece la Scuola libera del nudo di via Ripetta e lo studio di Balla, diventando amico di Boccioni e Severini. Con Boccioni compie un viaggio a Parigi nel 1906. Due anni dopo si reca in Germania, dove ritornerà nel 1910-1911. Intanto, nonostante le ricorrenti crisi nervose, inizia a dedicarsi all’illustrazione e alla pittura. Nel 1913 aderisce al futurismo, dandone un’interpretazione soprattutto volumetrica.

Allo scoppio della guerra si arruola nel Battaglione Lombardo Volontari Ciclisti e poi nel Genio. Congedato nel 1919, si sposa a Roma con Matilde Fabbrini, con cui era fidanzato dal 1915. La coppia, che avrà due figlie (Aglae, nel 1921, e Rossana, nel 1929), si separerà nel 1932 e l’artista si legherà, tra alterne vicende, a Mimì Costa.

Sempre nel 1919 si trasferisce a Milano, dove dipinge i primi paesaggi urbani. La sua pittura si orienta verso forme potenti e sintetiche, di ispirazione classica, segnate però da una drammaticità moderna. Margherita Sarfatti è tra i primi critici a segnalarlo. Fin dal 1919, intanto, l’artista aderisce al fascismo. Dal 1921 disegna illustrazioni per il “Popolo d’Italia”, con cui collabora fino al 1942 (dal 1927 al 1931 anche come critico d’arte).

Nel 1922 è tra i fondatori del Novecento Italiano. Col gruppo, animato dalla Sarfatti e sostenitore di una “moderna classicità”, espone in tutte le principali rassegne in Italia e all’estero, difendendone le ragioni quando, nel 1931-1933, viene colpito da accese polemiche.  Negli anni trenta, però, Sironi si concentra soprattutto sulla pittura murale, divenendo il maggior teorico e artefice del ritorno alla decorazione classica. Pubblica il Manifesto della pittura murale, firmato anche da Campigli, Funi e Carrà (1933).

Nel 1943 aderisce alla Repubblica di Salò. Il 25 aprile sta per essere fucilato e si salva grazie all’intervento di Gianni Rodari, partigiano ma suo estimatore. Il crollo dei suoi ideali politici e l’angoscia per la morte della figlia Rossana, che si uccide giovanissima nel 1948, lasciano un segno nella sua pittura, in cui la tensione costruttiva si lascia incrinare da un senso di frammentarietà. Mario Sironi muore a Milano nel 1961.

In occasione della mostra Mario Sironi. Una collezione speciale la Galleria Ricci Oddi di Piacenza esporrà al pubblico il dipinto Testa di giovane eseguita da Sironi negli anni immediatamente precedenti il secondo conflitto mondiale e presente nelle collezioni del Museo dal 1967.  Presso la Galleria Biffi Arte sarà inoltre disponibile una cartolina che, presentata alla cassa della Galleria Ricci Oddi, darà diritto al 30% di sconto sul biglietto d’ingresso. Il medesimo biglietto, consegnato al personale di Biffi Arte darà diritto allo sconto del 30% sull’acquisto del catalogo Mario Sironi. Una collezione speciale, curato da Eelena Pontiggia.